Disculpen la traducción.
TRADICIÓN EN EL SIGLO 21
Daniel Graves
I. INTRODUCCIÓN
Después de haber dedicado gran parte de mi vida, tanto como artista y maestro, a las
artes figurativas, estoy muy contento de ver que, una vez más, un número cada vez mayor de
la gente está encontrando en las imágenes tradicionales, son mas significativas para ellos.
En efecto, después de setenta años de relativo abandono, el movimiento del arte figurativo
está floreciendo. Los que hace años estudiaron y se reunieron con poco
apoyo hoy en día encuentran más oportunidades para la exposición, y las personas cada vez más jóvenes
quiere estudiar lo que yo llamaría el "enfoque tradicional de realismo." Muchos
encontraron su camino a la Academia de Arte de Florencia, y, para ellos, la formación que ofrecemos
no parece fuera de fecha, sino, más bien, la única formación que los hará libres para trabajar
con confianza como artistas. Muchas personas que participan en las artes a todos los niveles están presionando para apoyar la expansión de este movimiento - en la base, donde soy testigo de los
cambios diarios, en las galerías y museos, e incluso en algunas universidades. el la actual
exposición en el Museo Panorama es un testimonio de estos cambios.
Curiosamente, sin embargo, dentro de este grupo aparentemente coherente, una multitud de
diversos estilos y puntos de vista están representados. No está dentro del alcance de este
artículo para analizar exhaustivamente todo lo que está pasando en el mundo del
arte figurativo, pero, por poner un ejemplo de la diversidad, una exposición colectiva reralista podría
incluir trabajos en el estilo académico, así como aquellos que son más
impresionista, expresionismo, fotográficos, surrealista, y / o ingenuas - sólo para nombrar unos
pocos. Un laico puede lanzar todos estos estilos juntos, pero esta exposición reúne a
la luz una distinción importante: algunos de nosotros estamos trabajando concientemente en el espíritu de "la
tradición ", como se le llama, y algunos de nosotros no lo son. El trabajo en este espectáculo1 ha sido
hecho por los artistas que se formaron, y están trabajando en el espíritu de esta tradición.
La tradición que me refiero es la del espíritu humanista en el arte occidental. Tiene su
orígenes en los escultores y pintores griegos que trataron de capturar fielmente las formas de
naturaleza, de esta manera expresar ideas de belleza y significado. La tradición esta
en continua evolución, ha cambiado y enriquecido por las muchas generaciones de artistas que
han buscado y nos han mostrado visiones de lo que encontraron de significativo y fundamental, de
importancia para la vida humana. El deseo de estar conectado a la tradición en un momento cuando se
Ya no era todo, cuando se ha considerado pasado de moda querer hacerlo, y cuando su
lenguaje fue quedando en el olvido, es lo que me trajo a Florencia en 1978. Es lo que
aporta la mayor parte de nuestros estudiantes de la Academia de Arte de Florencia hoy.
Decir que todos estamos trabajando en la tradición no significa que nuestro tema
materia y los intereses artísticos son los mismos. Como espero que se desprende de la propia obra,
cada uno de nosotros es la creación de un cuerpo único de trabajo en base a nuestras trayectorias artísticas individuales.
Sin embargo, todos hemos recibido de muchos años de formación académica dirigido al aprendizaje de la misma
visual "del lenguaje." Es decir, que todos hemos aprendido, en la medida en que podemos, el
lenguaje de la tradición, que como artistas que utilizamos para expresar nuestra visión - al igual que
poetas, por ejemplo, utilizan palabras, ritmos y formas de poemas de artesanía.
Una de las cosas más importantes que se han dado cuenta en los últimos años es que,
entre los que trabajamos dentro de esta tradición, el conocimiento y los recursos necesarios
a compartir, no sólo para mejorar nuestra comprensión de nuestro propio trabajo, sino para
equipar mejor a la próxima generación de artistas para llevarlo hacia el futuro. Todos estamos
trabajando con partes de lo que fue una vez un cuerpo más completo del conocimiento. es
algo que comenzó a descubrir como un joven estudiante de arte y que continúan enfrentando ahora,
como un artista que trabaja y director de una academia centra en enseñar a los estudiantes de la nave
de trabajar en la tradición realista.
Por muchas razones, cuando nos acercamos a la vuelta de los 20
ª
siglo, en el oeste
la sociedad comenzó a cuestionar, rechazar, y en algunos casos destruir gran parte de lo que tenía
heredado. Me gusta creer que nuestra misión como el 21
st
siglo comienza es para encajar
fragmentos de la tradición humanística para que podamos contribuir imágenes significativas
que inspirará a las generaciones futuras al mismo. Siento que el éxito de la Academia de Florencia
de Arte y el trabajo en esta exposición es la prueba de que estamos en el camino de hacer eso.
II. Una breve descripción de la tradición académica MI Y
FORMACIÓN EN TI
A menudo me preguntan por los estudiantes, "¿Cómo fue cuando estaban entrenando? ¿Qué
escuelas o estudios enseñó dibujo y la pintura tradicional? ¿Dónde estudiaste y
¿por qué? "La mayoría de los estudiantes han escuchado que las oportunidades de hace 30 años eran escasos. En su
libro, EL CREPÚSCULO DE PINTURA, publicado en 1946, RH Ives Gammell advirtió
que la pintura se encontraba en un estado cercano "catástrofe" porque los enfoques tradicionales de
aprender el oficio fueron dejadas a un lado - que tenía 22 años antes de que se convirtió en un
estudiante de arte. Afortunadamente, sin embargo, incluso en esa época oscura, había unos cuantos dedicado
profesores restantes que llevó la antorcha y se la pasó a - personas a quienes (como ahora
pensar en ello) un fragmento de la tradición había sido dado, que a su vez pasa a la
siguiente generación. Como un joven estudiante de arte, y, más tarde, como un pintor joven, tuve la suerte
suficiente para conocer y aprender de algunas de esas personas. Porque yo creo que es importante
para entender cómo esta tradición se mantuvo viva, y, además, a entender lo
estas raíces profundas ir, me gustaría resumir brevemente en algunas de las cosas que aprendí
y ahora estoy enseñando ha llegado from.4
Incluso en Estados Unidos, donde comencé mis estudios en 1968, la mayoría, si no todos,
de la información que se guardó se remonta a the19
ª
ateliers de siglo
Europa, en donde las generaciones, literalmente, del conocimiento europeo sobre la pintura eran
alojados. Esta información había sido transmitida desde el Renacimiento, primero a través de
los artistas que participaron en los aprendices, luego a través de las academias, cuya función
que era para educar a los artistas y mantener una tradición de la artesanía. Debido a que había
pocas instituciones de este tipo en los Estados Unidos, la mayoría de los pintores americanos viajaron a estos
Europea talleres para aprender los principios y técnicas fundamentales para su vocación.
Aunque sería imposible trazar las líneas puras de la tradición académica de Europa
y su impacto en la pintura americana en sólo unas pocas páginas, es importante tener en cuenta que
Pintores americanos formados en Francia, Alemania, Inglaterra y muchos otros países, una
número de ellos luego regresó a los Estados Unidos, el conocimiento en la mano, no sólo a
pintar, pero para establecer estudios y escuelas propias.
Por muchas razones complejas sociales y artísticos, este sistema tradicional de
entrenamiento comenzó a romperse en Europa occidental a finales del siglo. Fue entonces
que el amplio conjunto de conocimientos que se han transmitido en una ininterrumpida
cadena a través de los siglos se ha interrumpido. Las academias y talleres de Western
Europa casi desapareció, dejando sólo los artistas individuales / maestros detrás, que, con
cada generación que pasa, poseía un cuerpo de conocimientos menos completos.
RH Ives Gammell, cuyo libro he mencionado anteriormente, es un ejemplo de un
pintor tal. Cuando nació en Providence, Rhode Island, en 1893, en los talleres Europa occidental ya estaban en declive. Sin embargo, en 1911, se matriculó en la Escuela
del Museo de Bellas Artes de Boston, donde tuve la suerte de conocer a muchos
pintores cuya formación conectado a las academias de Europa. Lo más notable es que
estudió con William Paxton, quien a su vez había estudiado con Jean Léon Gérôme en The5
Ecole des Beaux-Arts de París. Gammell lugar en la historia del realismo americano es
importante no sólo por esto, sino también porque era un autor y profesor: en
sus escritos se documentaron los valores y las enseñanzas de los siglos anteriores, como él
los había recibido, como un maestro, les pasan directamente a sus alumnos.
Muchos de sus alumnos se convirtieron en pintores buenos y, no menos importante, los profesores de
las propias tradiciones. Algunos, como Richard falta, abrieron sus propias academias.
La falta atelier se convirtió en uno de los líderes después de Gammell y continúa hasta
hoy. Situado en Minnesota, ahora dirigido por sus antiguos alumnos, Dale Redpath
Mimbre y Cyd. Otros talleres, pasado y presente, con enlaces a Gammell o uno de sus
estudiantes incluyen los dirigidos por Allen Bancos, Cecil Charles, James Childs, Robert
Cormier, Stephen Gjertson, Gary Hoffman, Don Koestner, Robert Douglas Hunter,
y Richard Whitney. Haberme estudiado con carencia, la Academia de Florencia
El arte es una mezcla de sus enseñanzas y las de otros artistas / maestros que en gran medida
influyó en mí.
2
El linaje a través de Gammell que he trazado brevemente sólo da una
sentido abreviada de cómo las tradiciones de Europa fueron transmitidas. Él no era el
único que lleva adelante estas tradiciones. En el primer trimestre de los años 20
ª
siglo,
muchos pintores con talento en los Estados Unidos mantuvieron estudios donde se imparten
variaciones de la tradición. Los que tienen la mayor influencia fueron dirigidas por Robert
Brackman (1898-1980), William Merritt Chase (1849-1916), Frank Vincent Dumond
(1865-1951), Frank Duveneck (1848-1919), Robert Henri (1865-1925), Jacques
Maroger (1884-1962), Howard Pyle (1853-1911), Edmund Charles Tarbell (1862 -
2
Actualmente hay numerosos talleres además de los vinculados a Richard Lack ofreciendo tradicional
tipos de formación. Los que yo conozco son los dirigidos por Ted Seth Jacobs en Francia, Jacob Collins en
Nueva York, y Jeffrey Mims en Carolina del Norte. Para obtener una lista más extensa, me remito a la
Listado Art Renewal Center de talleres, escuelas de arte, programas y talleres: www.artrenewal.org.6
1938), y NC Wyeth (1882-1945), sólo para nombrar unos pocos. Ellos, sus alumnos, y así
muchos otros, ayudaron a mantener las antorchas encendidas.
3
Tuve la suerte de encontrarse con algunas de las personas con directo
conexiones a la tradición, a partir de mis años de estudiante como estudiante en
el Instituto de las Artes de Maryland. Fue allí donde me encontré por primera vez
pintores de la talla de inmuebles, entre ellos Joseph Sheppard y Frank Russell, ambos de los cuales
me influyó mucho. Russell ofreció una clase llamada "realismo intensivo", que
me introdujo en el valor de la observación cercana. Sheppard me enseñó una técnica rápida
basado en el método Jacques Maroger de la pintura e hizo hincapié en la anatomía. Tenía
pasó varios años en Europa, y fue por él que escuché por primera vez acerca de Pietro
Annigoni.
Con mi interés en Italia y Annigoni despertado por Sheppard, he optado por
asistir a la escuela de posgrado en Florencia en la Villa Schifanoia, donde conocí a Richard
Serrin, una de las grandes influencias en mi vida. Fue él quien me enseñó a "leer"
una pintura, abriendo así una puerta que es crucial para el desarrollo de un profundo y permanente
diálogo con los maestros del pasado. Él demostró un profundo conocimiento técnico de
Rembrandt y 17
ª
pintura del siglo, pero, no menos importante, se "comunión" con
el mundo de la pintura y me habló de la importancia de lo que vio
3
Unas pocas instituciones en los Estados Unidos apoyaron un plan de estudios más tradicionales, también, a saber, la
Lyme Academia Facultad de Bellas Artes, la Academia de Pensilvania de Bellas Artes, la Academia Nacional de
en Nueva York, The Art Students League, y la Escuela Schuler de Bellas Artes de Baltimore. Había
otros, pero, por el gran número de escuelas acreditadas en el país, sólo una fracción ofreció una
programa tradicional de cualquier sustancia.
Irónicamente, en el oeste de Europa menos enlaces directos a los 19
ª
academias del siglo sobrevivieron que en
los Estados Unidos. Ya bajo la presa a causa de los cambios antes mencionados artísticas y sociales, muchos
cerrado durante el caos de la Segunda Guerra Mundial, la mayoría de los que se quedaron abiertos adaptado a la
enfoque más moderno. Como en los Estados Unidos, Europa Occidental apoyado un individuo terco pocos
artistas / profesores que se negaron a unirse a los modernistas. Ellos fueron esparcidos por todo el continente, desde
Suecia a España. Aunque es realmente fuera de mi experiencia para hablar de ellos en cualquier longitud, el
academias de Europa del Este y Rusia se siguen enseñando los métodos tradicionales, pero en términos relativos
aislamiento de la West.7
encarnado en la obra de los grandes pintores que admiraba. Lo que aprendí de Serrin
Era de profundidad psicológica y filosófica, sino que demostró cómo se hunda por debajo de la
superficie de una pintura para encontrar su significado.
Más tarde, fui a Minneapolis con Serrin para ayudarlo en un proyecto de mural, y
Fue allí donde conocí Falta Richard, con quien estudió durante casi un año. Por falta
Aprendí muchas de las tradiciones académicas de la Escuela de Boston, que había sido
transmitida a él por Gammell, y el método de signos de tamaño de dibujo y pintura,
que se dice que han sido utilizados por muchos de los retratistas del siglo XIX
siglo, incluyendo John Singer Sargent. Luego regresó a Florencia y estudió con
Nerina Simi, "señorita Simi", como la llamó. La hija de Filadelfo Simi (un
Pintor florentino en el Estilo Macchiaioli que había estudiado con Gérôme), signorina
Simi mantiene taller de su padre desde su muerte en 1923 hasta que en 1987 su propio en la
edad de 97 años. Volví a Florencia para estudiar con ella porque el trabajo que sale de su
estudio tenían fortalezas que quería adquirir.
Yo seguía buscando piezas del rompecabezas, fragmentos de la tradición, que yo
esperaba se unen para hacer mi propio trabajo más completo. Me había dado cuenta de que
leyes técnicas de las embarcaciones existía y tenía que aprender, que eran separados de
individuales de estilos artísticos, y que por lo tanto podían resumirse en los principios
y pasados a los estudiantes sin la carga de los gestos y estilos. Estos
principios, como "la luz es la forma; sombra es la atmósfera," se han conocido
inconscientemente por los pintores y se plasman en su obra. Pero debido a que el
conocimientos tan a menudo es inconsciente, muchos pintores les resulta imposible aislar,
destilar, y transmitir a los estudiantes.
Tanto Lack y Simi ofrece una conexión a Gérôme, que fue significativa para
mí. La falta heredado su linaje a través de Gammell, la señorita Simi obtenida hers8
a través del trabajo en el estudio con su padre. Tanto que se remonta a Gérôme, había
muchas similitudes en lo que enseñaban, pero bastantes diferencias, también. Uno era el
Y una versión italiana del americano de la tradición francesa. La versión americana
estaba más reglamentado y controlado, el italiano más "artística" y animado en su
enfoque - había menos organización en el estudio de Simi y mucho más énfasis en
el desarrollo de la mano, y "el movimiento", y la idea de la belleza y otras cosas
que rara vez se habla de en los Estados Unidos. Pero al final del día, ambos
tenía el elemento humanista como su estándar y admirado parte de la misma gran
pintores: Velázquez, Tiziano, Rembrandt, Gérôme, Sargent y otros.
Italia - con sus museos, iglesias y belleza natural, y como un lugar donde
las artes siempre han florecido - siempre ha sido un imán para los artistas. La
presencia de la señorita Simi y Pietro Annigoni en Florencia atrajo no sólo a mí, sino
muchos pintores jóvenes en busca de los hilos deshilachados de la tradición realista a esta ciudad
en particular. Desesperadamente quería sentirse conectado con la tradición, y parecía que
que en ninguna otra parte eran los artistas que trabajan como lo habían hecho en el pasado - con una atención al
Craft incluso en el nivel de material más básico. En Florencia, no se llamó a sí mismo un
artista, sino un pintor, y cuando uno se ganó el respeto de los demás, como Annigoni tenido un
se le dio el título de "maestro." Estas cosas nos hicieron sentir que la pintura era un noble
profesión, profundamente arraigada en la artesanía, la cultura y la comunidad. Algunos de los que vinieron
nos alojamos por unos pocos meses, mientras que otros, como yo, han permanecido, atrapado por la
belleza y la cultura.
Aunque yo no estudié con Annigoni, que murió en 1988 a la edad de 78 años, que
llegué a conocerlo muy bien. Era, como algunos lo llaman, "el patriarca del realismo".
Establecer el estándar de dibujo, él nos dio esperanzas porque podía dibujar y
pintar como los artistas tenían en siglos anteriores. Aunque muchos pintores jóvenes de todo over9
Fue a su estudio con la esperanza de ser admitido, sólo un puñado, que yo sepa, eran
asumido como aprendices durante cualquier periodo de tiempo. Sus aprendices primero eran italianos -
Romano Stefanelli, Bernardini Nando, Cicconi Antonio, Luciano Guarnieri, y,
por último, Gianni Cacciarini. Más tarde, un grupo de estudiantes extranjeros que estudiaron con él,
incluyendo Nelson Blanco, Long Ben, y Rob Wraith. Visité su estudio muchas veces
para mostrarle mis cuadros, era siempre alentador, pero nunca le dio mucha alabanza.
No hay mucho para charlar, le gustaba discutir los significados más profundos de la vida. De
Por supuesto, el arte siempre estuvo en la vanguardia de nuestras discusiones.
Como me gustaría dejar el estudio después de visitar con él, siempre lo haría
me animan. "Buon lavoro. Forza e Coraggio "(" El trabajo duro y bien Fuerza. Y
coraje "), decía en el tono, me imagino, de un guerrero romano.
III. PLAN DE ESTUDIOS, METODOLOGÍA DOCENTE Y PROGRESIÓN
DE ESTUDIO EN LA ACADEMIA DE ARTE DE FLORENCIA
"En una escuela de bellas artes, es un deber de enseñar sólo verdades indiscutibles, o al menos
aquellos que descansan sobre los mejores ejemplos aceptados durante siglos ". palabras H. Flandrin, el
impreso en nuestro folleto, son lo más cercano que llegamos a la articulación de una declaración de la misión en
La Academia de Arte de Florencia. Con Flandrin, y tantos otros que podríamos citar, como
nuestros guías, nos enseñan el arte de trabajar en la tradición realista de manera similar a la forma en que
Se imparte en el 19
ª
siglo ateliers de Europa occidental - no para producir 19
ª
obra del siglo, sino porque, como he mencionado anteriormente, nuestro vínculo más directo a la
los valores tradicionales y las enseñanzas del pasado, que se sabe que han producido
a nivel profesional los artistas en la tradición realista, son a través de los estudios. Debido a que,
como yo he mencionado, me recogió trozos de la tradición de muchas personas diferentes, 10
lo que enseñamos en la Academia de Florencia es una mezcla de lo que he recibido de muchos de
los que mencioné antes, necesariamente interpretarse a mi manera.
Mirando hacia el sistema de taller de formación como modelo, la Academia de Florencia
de arte es diferente de la mayoría de otras escuelas de arte, donde los estudiantes van a una variedad de
clases y muchas veces son impartidos por muchas personas. En las escuelas de arte, ya que son comúnmente
estructurado hoy en día, los proyectos de múltiples grados de dificultad son arrojados a los estudiantes en todas las
una vez que, a menudo por profesores con diferentes agendas y puntos de vista - hay demasiados
"Jefes" y no existe un método claro de la formación en los aspectos fundamentales de la embarcación, tales como
aprender a dibujar. Pintores consumados pueden dar demostraciones sobre cómo pintar un
retrato, por ejemplo, sin embargo, sigue siendo un misterio para los espectadores que no tienen
formación recibida en los principios básicos. En este entorno, los estudiantes no tienen una
sentido claro de cómo avanzar y no tienen la oportunidad de desarrollar la confianza.
Cuando los estudiantes entrar por la puerta de la Academia de Florencia, se les asigna un
espacio estudio y asentarse en un ritmo de trabajo que se mantendrá constante a lo largo
sus años de estudio. Instando a que se conviertan, como John Constable dijo: "pupila del paciente [s]
de la naturaleza, "la mitad de la jornada se dedica a trabajar en la figura, la mitad del día en su
estudios, trabajando en ejercicios específicos. Nos desmitificar la formación de un artista y
romper la tarea enormemente compleja de aprender a dibujar, pintar y esculpir de la vida en
pasos graduales. En los términos más generales, los estudiantes pasan sus días tratando de ver y
escribir exactamente lo que está delante de ellos, porque, como Leonardo dijo: "El pintor se
producir imágenes poco mérito si se toma el trabajo de otros como su estándar, pero si se
que se aplican a aprender de los objetos de la naturaleza que va a producir buenos resultados ".
Para ello, sin embargo, no es fácil: una progresión paso a paso a través de la escuela de
planes de estudio, desde aprender a dibujar con precisión para aprender a usar valores exactos de color IN11
aceite o - para los estudiantes de escultura - Aprender a utilizar la estructura correcta en arcilla, generalmente
lleva a los estudiantes cuatro o cinco años.
Estudiantes de dibujo recibir críticas individuales dos veces al día cinco días a la semana,
estudiantes de pintura de cuatro (que nos pareció más óptimo de cinco, ya que tienden a
requieren más tiempo por su cuenta para digerir feedback). Todos nuestros instructores fueron capacitados
aquí. Todos ellos pasaron años dominar el mismo lenguaje visual que pasar. Doy
a todos la libertad de conectarse con los estudiantes en su propio camino, pero, a pesar de
cómo los profesores se expresan, que están pasando un consistente y claramente
delineado cuerpo de conocimientos, conceptos y principios que se establecen para alumnos libres
expresar sus ideas, no las técnicas manieristas.
Dibujo Intensivo y Programa de Pintura
4
Nuestro programa de pintura, que comienza con un año de dibujo intensivo, es
diseñada para llevar cuatro años en completarse. Los estudiantes se dividen en cinco categorías:
principiante, intermedio, avanzado, profesor estudiante, o de artistas en residencia.
El estudiante de primer año se enfrenta a la difícil tarea de ajustar a lo que puede muy
bien ser una forma completamente diferente de la formación. Trabajar con disciplina dentro de la
marco de un sistema de taller, aprovechando al máximo las horas de luz, y cada vez
acostumbrado al método de vista de tamaño de dibujo son algunos de los desafíos que enfrentan.
Con pocas excepciones, los estudiantes se centran exclusivamente en la elaboración de su primer año en la
Florencia Academy, que tradicionalmente ha sido y siempre será, creo yo, la
fundamento de la tradición realista. Asignaciones iniciales de estudio ayudará a aclimatarse a los estudiantes
a nuestros estándares, precisión y el hábil uso de medios de dibujo son los primeros
obstáculos técnicos que se les pide que superar. Usando el lápiz, fielmente deben
4
Nuestro programa de dibujo está dirigido por Simona Dolci, nuestro programa de pintura de Ramiro Sanchez.12
reproducir dibujos litográficos desarrollados como estudio preparatorio para estudiantes de arte por
Charles Bargue, de 19
ª
siglo pintor académico y asistente de Gérôme. La
dibujos van desde simples a complejos, y una vez que los estudiantes demuestren técnico
experiencia en la copia de un dibujo a lápiz avanzado, se mueven a la copia de una más grande,
litografía más complicada, que debe ser reproducida en carbón vegetal. A lo largo de la
programa, las lecciones aprendidas y las técnicas de estudio a través de ejercicios como copiar
Dibujos Bargue se aplica cuando se trabaja a partir de la figura, que es la
factor determinante en la capacidad de analizar el progreso de cada estudiante y
nivel en el que están trabajando.
Los estudiantes se mueven a partir de la copia de los dibujos de Bargue al dibujo de modelos en
carbón vegetal. Después de haber ganado confianza en su capacidad para ser exactos, ahora se les pide
para desarrollar, en preparación para convertirse en un pintor, un sofisticado conocimiento de
gradaciones de valor - por lo tanto, el uso de carbón vegetal, cuyo alcance lo convierte en un eficaz
medio para explorar la luz y la oscuridad. Si los estudiantes están luchando con problemas de dibujo,
Sentimos que es siempre el mejor detenerlos. No hay ningún punto en el lanzamiento técnico
problemas en relación con los otros medios si no ven los valores de un yeso o
no puede percibir las sutilezas de la proporción. Mejor que los problemas de dibujo resolverse
antes que los estudiantes pasar a la siguiente serie de desafíos.
Los estudiantes intermedios han logrado una sólida base en el dibujo, tanto en
lápiz y carbón, y, por lo general al inicio de su segundo año, comienzan a
dibujar con carboncillo y tiza blanca sobre papel entonado, un paso más cerca de la pintura. La
dibujos de los alumnos del elenco empiezan a parecerse a los modelos reales, y sus dibujos de figuras
tienen el peso y el equilibrio de una persona viva. Con estas habilidades de dibujo y InHand, los proyectos de pintura primero se les asigna. Ganar control sobre este nuevo medio
requiere tiempo y experiencia, y, como en el dibujo, que procedamos paso a paso. Nos suavizar the13
transición de dibujo por estudiantes de partida fuera con paining en grisalla - es decir,
con la pintura en color gris. Esto le da a los estudiantes la oportunidad de familiarizarse con el uso de
pintura para estudiar los valores sin la complejidad añadida de color. Sólo unos pocos proyectos
dado en grisalla (generalmente dos cilindros y un máximo de cinco semanas de pintura figura) antes de que un
proyecto en colores limitada está asignado.
"Color", John Singer Sargent, dijo, "es un adorno de la forma." Mientras que eso puede
es cierto, la mayoría de los pintores pasan gran parte de su vida tratando de entender! Partimos
estudiantes fuera con tres colores, incluyendo el blanco - No ocre amarillo, rojo Inglés, y
negro. Esta es la paleta más tradicional y básico que hay - los estudiantes han comenzado
con él durante siglos, y, sorprendentemente quizás, muchos grandes pintores, como Tiziano, son
cree que lo han utilizado para producir algunos de sus mejores trabajos. Centrarse en la construcción de
confianza con la experiencia, los primeros temas pintura estudiantes son simples, a menudo un único
pieza de fruta contra un fondo oscuro. Los estudiantes pintan el mismo fruto tres veces -
la primera vez, tienen el tiempo que desee terminar su pintura, la segunda vez
sólo tres horas. Cuando comienzan su tercera pintura, la fruta se elimina, y
estudiantes pintar de memoria. El último ejercicio puede parecer extraño en una escuela dedicada
a de trabajo de la vida y la observación de la naturaleza, pero, de hecho, la memoria de un
artista visual puede y debe ser desarrollado, tanto como la de un actor o un poeta, y tiene su
colocar en el trabajo de la vida. En el siglo XIX, Lecoq de Boisbaudran, el
maestra de James McNeil Whistler y Henri Fantin-Latour, desarrolló un sistema para
formación de los recuerdos de sus estudiantes. Whistler escribe de ir a dar largos paseos, buscando
intensamente en la escena, y volviendo a su estudio para hacer grabados en la memoria de
lo que había visto.
Una vez que los estudiantes han descubierto el potencial de estos colores básicos, otros son
añadirán a medida que los necesita: naples amarillo, bermellón, azul cobalto, etc.14
Los estudiantes de tercer año se les da tiempo para asimilar y practicar el material dado a
ellos en el segundo año, junto con un mayor grado de dificultad en la materia.
El retrato se introduce, por primera vez en el dibujo, luego en la pintura. Muchos estudiantes comienzan a
muestran una tendencia hacia cierto tipo de materia y puede comenzar
correspondiente a dedicar más tiempo a desarrollar sus habilidades en el área que más
les fascina.
Para el cuarto año, los estudiantes han dominado el dibujo en dos medios y son
familiarizado con los métodos y materiales de la pintura de aceite, este último como importante en la
estudios de un pintor como el anterior. Ahora es el tiempo para perfeccionar las habilidades para identificar y
hacer frente a las debilidades persistentes, y empezar a poner el conocimiento técnico de la prueba. Más
de nuestro cuarto año los estudiantes empiezan a enseñar en la Academia. Lo que han adquirido en
capacidad que se ven obligados a poner en palabras, que es cuando se vuelven más conscientes
de lo que saben. Junto con darles mayor responsabilidad, los esperamos
para impulsar las habilidades técnicas que han adquirido aún más complejo de resolver
problemas (por ejemplo, para pintar las manos). Les pedimos que comenzar considerando seriamente las cuestiones de
composición (por ejemplo, para poner énfasis en el gesto de la figura y pintar con un
indicación del estado de ánimo y la personalidad de la modelo), y los guiamos en
el desarrollo de su voz. Los tipos de problemas que empiezan a resolver este año son la
los que se enfrentarán como artistas emergentes: ¿qué es lo que quiero pintar? ¿Por qué? ¿Qué emoción
es lo que quiero transmitir y cómo? ¿Qué áreas de competencia técnica debo fortalecer
para que no se llevará a cabo de nuevo en la articulación de mi visión?
Si bien exigimos que los estudiantes trabajan duro y el progreso, no ponemos
presión sobre ellos para dominar el material dentro de un período de tiempo predeterminado;
estudiantes avanzar a su propio ritmo. Una y otra vez, hemos encontrado que la cantidad de15
tiempo que se necesita para dominar el material varía de persona a persona - muchos de los más nuestra
estudiantes dotados bajó a retrasar aperturas. Los estudiantes trabajan en proyectos durante todo el tiempo que sea
fructífero, a partir de su copia del dibujo simple Bargue, y que se garanticen los
que "el tiempo no tiene importancia" en la Academia de Florencia. Este énfasis en el cuidado, aunque
eficiente, el estudio es fundamental, creo, para el dominio de los aspectos críticos de la nave. Pero,
como en tantas otras cosas, siempre hay un equilibrio que debe lograrse: los estudiantes deben
También se instó a esforzarse y aprender a trabajar de manera eficiente.
Con esto en mente, una de las políticas más beneficiosas que hemos instituido en el
últimos diez años es la crítica final. Al final de cada trimestre, los estudiantes individualmente
llevar todo el trabajo que producían antes de sus maestros reunidos. El propósito de la
la crítica es que los alumnos sepan si están en curso para que les dé una indicación clara de
lo que sentimos sus fortalezas y debilidades, y darles personalizado
sugerencias sobre cómo mejorar. Se les da un pasa / no pasa de grado basado en la forma en que
han hecho en cinco categorías diferentes: progreso, desempeño, actitud, esfuerzo, y
asistencia. De un puntaje máximo de quince años, un estudiante debe obtener un mínimo de10 a
pasar. Este sistema de clasificación, con el rendimiento de sólo uno de los problemas mediante el cual un estudiante
se evalúa, se instituyó con la conciencia de que algunos estudiantes simplemente no lo entiendo en
primero. Ellos luchan y luchan, a veces hasta por años, para aquellos que no se rinden
hasta que finalmente hace clic. Por otro lado, este sistema también nos permite pedir a los estudiantes
que no están realmente motivados para estar en la Academia de Florencia a demostrar ya sea un
deseo de estar aquí o irse - es fundamental que todos nuestros estudiantes estén verdaderamente dedicado y
quiero hacerlo bien. Esto crea un ambiente de competencia sana en la escuela
que los estudiantes son animados a compartir.
5
5
Este no es el entorno adecuado para las personas que son acaparadores. Creo firmemente en esto. Todos los
información, técnicos y de otro tipo, debe ser compartida por todos estamos en falta de knowledge16
Sospecho que para algunos estudiantes, los días a veces parecer lento y tedioso,
pero cuando se van después de haber estado aquí durante unos años, ellos saben cómo seguir
un procedimiento que funciona. Todo arte es sobre el control: Si usted no puede seguir especificado
movimientos de ballet, no se puede bailar ballet, no se puede tocar música clásica a menos que
usted tiene el control sobre todas las escalas y sus digitaciones. No se puede pintar y esculpir
de manera tradicional a menos que haya aprendido los principios necesarios y
técnicas.
Una indicación de qué tan exitoso este método de entrenamiento puede ser es que
aproximadamente el 80% de nuestros estudiantes van a convertirse en los artistas que trabajan, una estadística que nos hace
muy orgulloso.
Escultura
Robert Bodem dirige el departamento de escultura en la Academia de Arte de Florencia y
ha construido un sólido programa basado en los valores académicos. Utiliza una filosofía de
la construcción de la figura de adentro hacia afuera. Los estudiantes dibujar y esculpir todo el
programa. El dibujo que hacen ha sido adaptado especialmente para escultores, sobre la base de un
sistema de mezcla de vista del tamaño y los puntos anatómicos. Los primeros proyectos incluyen una escultura
hueso de vaca y ampliándolo con yeso, luego copiar partes emitidos desde
David de Miguel Ángel. Cuando se mueve a la vida, los estudiantes comienzan con un retrato de tamaño natural,
donde el énfasis está en la comprensión de la estructura subyacente del cráneo.
El enfoque principal de los dos años restantes es la figura. A partir del trabajo
hace hincapié en las estructuras internas del cuerpo humano que le dan su rango de
movimiento, el gesto, la proporción, etc Cuando los estudiantes demuestran un buen conocimiento de
principios fundamentales en posturas de pie esculpidas aproximadamente el tamaño medio de vida,
relacionado con el arte en este día y edad. Y, es impresionante ver cómo el conocimiento de oficio crece y
se desarrolla en una atmósfera de generosity.17
proyectos se introducen en los niveles más complejos, incluyendo reclinable poses. Los estudiantes
gradualmente hasta esculpir una figura de tamaño completo la vida y son responsables de todos los
los aspectos del proceso, desde la creación de una maqueta, a establecer la postura, aprender a
soldar, para construir una armadura rígida, y el trabajo de colada cuando esté terminado. El casting es
enseña a los estudiantes y se reserva para la última semana de cada trimestre. Los estudiantes comienzan
con la fundición de residuos molde, para luego pasar a la toma de silicona del molde. Actualmente todo el trabajo
con la figura se realiza con agua a base de arcilla.
El programa de escultura, desarrollado en los últimos 4 años, se ha ampliado recientemente,
y ahora está funcionando a plena capacidad.
Plan de estudios fuera de las horas de estudio diarias
Tenemos una amplia gama de actividades centradas en la ampliación de enseñanzas de nuestros estudiantes y
familiarizarlos con los tesoros artísticos del pasado. Lectures on viernes por la tarde
se centran en temas relacionados con la mitología (para estimular ideas) e historia del arte, que es un
área crítica de estudio para los aspirantes a artista. Estar en Florencia, tomamos visitas de
museos, y presentar a los estudiantes de primera mano a las grandes obras de arte. Conferencias sobre todo
los aspectos de la parte técnica de la pintura, de las telas de estiramiento a mano-en grano
pintura y hacer propio medio de uno, se les da. Nuestra anatomía ampliado recientemente
programa incluye una clase écorché un año de duración, así como una conferencia semanal seguido por
una anatomía centrada en clase de dibujo. Hay una clase de escultura sábado para pintores.
Nuestra sesión de formación continuada en julio da a los estudiantes que no pueden
asistir a la Academia de Florencia para el conjunto del año una experiencia de lo que hacemos. Ofrecemos
cursos intensivos sobre una variedad de temas, muchos de los cuales no forman parte de la completa
programa académico, incluyendo fresco y la pintura de paisaje. Siempre estamos inscritos
a la capacidad de varios meses de antelación.
IV. Alumnado
¿Quiénes son los estudiantes que vienen a Florencia para estudiar pintura y escultura,
algunos para quedarse por muchos años más de lo que había planeado? Es imposible
generalizar sobre el alumnado, aparte de señalar que la mayoría vino a la escuela después de
haber mirado extensamente para este tipo de formación. Al escribir estas líneas, tenemos 75
estudiantes, algunos de los cuales son también instructores. Provienen de 24 países diferentes
(La mayor parte de los Estados Unidos o el norte de Europa). Ellos varían en edad desde 17 hasta 60
(La mayoría están en sus veinte años), y poseen diferentes niveles de formación previa. Lo que vale
este diverso grupo de personas juntas es que todos ellos están luchando para llegar a ser
pintores y escultores figurativos cuando llegan y que están todos trabajando
hacia los mismos - metas mientras aquí - o similar.
En general, existen dos tipos de estudiantes: los que parecen tener una especial
don de ver y luego traducir de forma rápida y fluida a partir de tres dimensiones en
dos, y los que luchan por cada nueva habilidad que adquieren. Ambos hacen un excelente
pintores y escultores, así como los profesores excelentes, por diferentes razones. La primera
a menudo admirados modelos de conducta, sino que perciben rápidamente los errores de los alumnos y el
razón por la que los han hecho. Por otro lado, aquellos que han luchado tienen un
entendimiento profundo de las dificultades, sino que sirve como ejemplo de progreso, y pueden
simpatizar con la frustración de aquellos que están luchando.
Dentro de la masa de estudiantes nuevos cada año, siempre hay un grupo central de
los talentosos que tiran el resto a lo largo. De este grupo central, uno o dos muy talentosos y
los estudiantes trabajan duro llegar a convertirse en mis futuros profesores, pasando el testigo, por lo que
hablar, año tras año. Desde la génesis de la Academia en 1991, se incluyen, en
el departamento de pintura: Paul Brown, Alger Nicole, Weed Carlos Dolci Simona, 19
Kevin Gargantas, Maureen Hyde, Smith Andrea, Ackrill Anthony, Sánchez Ramiro,
Hunter Eddy, Rupert Atkinson, Ericsson Joakim, y Levin Dana. En la escultura
departamento: Cessna DeCosimo, Bodem Robert, y Blokker Lotta. También me gustaría
mencionar aquí que dos ex instructores hecho contribuciones a las primeras etapas de
la escuela: Juan Ángel y Ostlund Jim. Algunas de estas personas con talento ya no puede
estar en la Academia, pero han tenido una gran influencia en su desarrollo, ayudando a hacer
en lo que es hoy.
Lo que parece ser común en las personas que tienen éxito, los que sobreviven,
Es su pasión y trabajo duro. Creo que cualquier persona puede alcanzar el éxito, no importa lo
su nivel de talento, si son totalmente apasionado, comprometido y diligente. Como
Miguel Ángel dijo: "Si la gente supiera lo duro que trabajé, que no les gustaría lo que
hacer ".
V. DECLARACIÓN PERSONAL
Aunque las piezas de la tradición se salvaron y se transmite, me preocupo por el
estado actual de este cuerpo de conocimiento, que es una de las razones que me han dedicado
parte de mi tiempo a lo largo de los años a la enseñanza - primero con Charles Cecil en el estudio CecilGraves, que en forma conjunta se desarrolló entre 1982 y 1990, y, desde 1991, como director de
La Academia de Arte de Florencia. A pesar de la falta de retribución económica y la necesidad de
dedicar muchos de mis propios recursos para ello, la dirección de la Academia de Florencia es una elección que conscientemente y un lamento raramente. Siento el deber de pasado y futuro
generaciones de transmitir lo que he aprendido y para fomentar un ambiente donde más piezas
de la tradición puede, quizá, ser descubierto, y esto anula los sacrificios personales
involucrado. No podía, sin embargo, han desarrollado la Academia de Arte de Florencia en mi
propio, ni podía siquiera empezar a contener todos los elementos de lo que se requiere para ejecutar it20
juntos. Por ello, quiero aprovechar esta oportunidad para agradecer a aquellas personas cuya
trabajo duro, dedicación y visión nos han llevado a este punto. Yo no podría, posiblemente,
empiezan a mencionar a todos, pero me gustaría llamar la atención especial para el personal
miembros que están aquí todos los días, y desde hace años: Susan Tintori, Rosemary
Galli, y Ellen Sutherland-Daddi. Ellos han dedicado gran parte de su energía a la
Crecimiento de la Academia y se han cometido, como yo, a la calidad de la educación
sobre todas las cosas.
Yo elegí la hora de desarrollar el programa de la Academia de Florencia para enfatizar
aquellos aspectos de la tradición que parecía vital para mí. Al hacerlo así, no fue mi deseo
para manipular la tradición para adaptarse a mi visión personal, sino para fortalecerlo, desarrollarlo,
y dar una generación de estudiantes las herramientas que necesitan para dedicarse a lo que
considerar una de las ocupaciones más importantes y más difíciles de todo, la creación de
imágenes que tienen resonancia emocional y la habilidad técnica, y que transmita, en su
veracidad y belleza, ideas de gran importancia.
Con este fin, como he mencionado antes, mezclar lo que aprendí de la
influyentes artistas / profesores que conocí durante el curso de mis propios estudios. Tengo
necesariamente interpretado sus enseñanzas a mi manera, poner las piezas juntas como
ha parecido más a la derecha. En el espíritu de transmitir a los alumnos lo que es "puro" o
"True" - es decir, para asegurar que estamos enseñando principios y no la imposición de estilos,
gestos o técnicas - que necesariamente se centran en aspectos prácticos de la nave en el
escuela. Para un artista que quiera trabajar en esta tradición humanista, para aprender estas
las técnicas clásicas del dibujo, la pintura y la escultura es aprender el "lenguaje" de una
necesita saber para poder "hablar" de una manera que será entendido. Quiero pasar esta
idioma a los estudiantes no para que luego se van en sus estudios y producir
trabajar en la imitación del pasado, sino para que puedan entrar en el mundo y crear obras de ART21
en una lengua que ha sido utilizado por los artistas, y que ha sido durante mucho tiempo
entendido por la gente de todos los niveles de la sociedad, ya se trate de artistas que trabajan o no.
Dicho todo esto, estoy muy consciente de que la tradición es mucho mayor que la
la suma de todos los elementos de la embarcación. De hecho, estamos de pie sobre los hombros de gigantes.
John Ruskin apunta que tenemos generaciones de personas detrás de nosotros que nos ayuda a
hacer obras de arte. He de añadir que esas generaciones de artistas han planteado la
importancia técnica y psicológica de la pintura a un nivel tan alto que cualquiera
tomando el testigo se enfrenta a la dura competencia que hay. "¿Por qué no podemos producir
Leonardos hoy? "Uno podría pedir. Yo no creo que sea sólo porque nos falta técnica
conocimientos y experiencia. Yo creo que es porque hay algo además de la
técnica que es también parte de la tradición. Espero que al tener la escuela en
Florencia, mediante la exposición de los estudiantes a sus grandes obras maestras y la cultura, que lo harán
recoger más de la esencia de la tradición, que tendrán más que la técnica
detrás de ellos para motivarlos.
Dado que no queremos repetir sólo el trabajo de siglos pasados, creo que uno
de los grandes retos que todos enfrentamos es la de descubrir lo que vamos a pintar
y esculpir. Los relatos que los artistas aprovechado durante siglos, los cuentos clásicos
de la mitología y la Biblia, parecen menos significativos para las personas que lo hacían antes. A
simplemente registrar la apariencia de la superficie de la "realidad" nunca ha sido la provincia de
pintura, cuyo lenguaje es mucho más profunda. Desde el principio, los artistas han pintado,
cosas esculpidas y elaborado que había significado para ellos, y las imágenes que han dejado
detrás son un testimonio de vida, un registro de su conciencia en la tierra. Podemos leer
incluso en las primeras pinturas rupestres que era sagrado para la gente que los pintados, lo que
que amaba, temía, lloró otra vez, deseado, y encontró hermosa .... me parece 22
que los más grandes maestros del arte siempre han tenido un sentido claro de lo que encontraron
significativo en la vida, que luego adaptó a su arte.
Yo creo que para hacer pinturas con el mismo significado de las pinturas que
más amor, hay que tener arte, sí, pero también se debe, en el sentido más básico, tienen "
algo que decir. "Para continuar con el testimonio de lo que los humanos han visto, creía,
sentía y pensaba, debemos tener la valentía de preguntarnos lo que realmente importa
aproximadamente, ya que si no sabemos que no podemos expresar. Debemos desarrollar nuestra capacidad
para el sentimiento profundo, por lo que sabemos con nuestras mentes es sólo una parte de lo que tenemos que
dar a nuestro arte - también tenemos nuestros corazones para dar. Hoy en día muchos de nosotros somos los adultos en nuestra
mente, pero los niños en nuestros corazones. Debemos sabio crecer en nuestros corazones, en conjunto con
perfeccionar nuestro arte, para expresarnos de una manera que a la vez tocar y estar
significativo para los demás. Para buscar la belleza y significado en nuestras vidas es para ponerla en nuestro
arte.
Debido a que tan elocuentemente expresa lo que yo mismo creo, me gustaría
cerrar con una cita con alguna extensión del ensayo de Ruskin "Todo gran arte es la alabanza:"
6. Fix, entonces, esta en su mente como el principio rector de todos los derechos
práctica laboral y fuente de toda la energía de vida saludable, - que el arte ha de ser
el elogio de algo que te quiero. Puede ser sólo el elogio de una concha o una
piedra, ya que puede ser la gloria de un héroe, ya que puede ser la alabanza a Dios: - su rango como
un ser vivo está determinado por la altura y la anchura de su amor; pero, sea
te pequeño o grande, lo que el arte sana es posible debe ser la expresión de
su verdadero deleite en algo real, mejor que el art. Usted puede pensar que, tal vez, que
nido de un pájaro por William Hunt es mejor que un nido de pájaro de verdad. Hemos hecho pagar un
gran suma para el uno, y apenas importa a buscar o guardar, el otro. Pero
Sería mejor para nosotros que todas las imágenes en el mundo perecieron, sino que el
las aves deben dejar de construir nidos.
Y es precisamente en su expresión de esta inferioridad, que el dibujo
se convierte en valioso. Esto se debe a que una fotografía no puede condenar, que
no vale nada. La gloria de un gran cuadro está en su vergüenza, y el encanto de la misma, en
expresando el placer de un corazón lleno de amor, que hay algo mejor que una
imagen. También habla con la voz de muchos: los esfuerzos de miles de muertos,
y sus pasiones, están en las fotos de sus hijos a día. No con la habilidad
de una hora, ni la vida, ni de un siglo, pero con la ayuda de innumerables almas,
una cosa hermosa que debe hacerse. Y la obediencia, y el entendimiento, y
la pasión pura natural, y la perseverancia ... ya que se debe dar a
producir una imagen, por lo que deben ser reconocidos, para que podamos percibir one.23
7. Esta es la principal lección que he estado enseñando, por lo que he sido
capaz, a través de toda mi vida, - sólo que la imagen es noble, que está pintado en el amor
de la realidad. Es una ley que abarca el mayor alcance del arte, sino que es también un
que las guías de seguridad los primeros pasos de la misma. Si usted desea llamar, para que seáis
representar algo que usted cuida, usted avanzará rápidamente y con seguridad. Si
deseo de dibujar, para que puedan hacer un hermoso dibujo, nunca hacer una.
Ruskin ideas sobre el arte puede parecer ir en contra del sistema de valores que tenemos
presentada en el siglo 21, en el que da importancia a la obra de arte que los choques,
que vende, que es "nuevo" y de vanguardia. Pero los valores que defiende son los mismos
muchos de nosotros están encontrando para poner en nuestro arte actual. En 1946, R. H. Ives Gammell vio
se acerca "el ocaso de la pintura" y la muerte de una tradición venerada. Hoy en día,
con las palabras y enseñanzas de Gammell, Ruskin, y otros tantos detrás de nosotros, veo un
amanecer de nuevo, profundamente sentida, y ricamente concebido trabajo de representación. También veo el vigor de una tradición viva - una que está siendo extraída de, y añadió que, por las nuevas
generaciones de escultores y pintores comprometidos.
TRADICIÓN EN EL SIGLO 21
Daniel Graves
I. INTRODUCCIÓN
Después de haber dedicado gran parte de mi vida, tanto como artista y maestro, a las
artes figurativas, estoy muy contento de ver que, una vez más, un número cada vez mayor de
la gente está encontrando en las imágenes tradicionales, son mas significativas para ellos.
En efecto, después de setenta años de relativo abandono, el movimiento del arte figurativo
está floreciendo. Los que hace años estudiaron y se reunieron con poco
apoyo hoy en día encuentran más oportunidades para la exposición, y las personas cada vez más jóvenes
quiere estudiar lo que yo llamaría el "enfoque tradicional de realismo." Muchos
encontraron su camino a la Academia de Arte de Florencia, y, para ellos, la formación que ofrecemos
no parece fuera de fecha, sino, más bien, la única formación que los hará libres para trabajar
con confianza como artistas. Muchas personas que participan en las artes a todos los niveles están presionando para apoyar la expansión de este movimiento - en la base, donde soy testigo de los
cambios diarios, en las galerías y museos, e incluso en algunas universidades. el la actual
exposición en el Museo Panorama es un testimonio de estos cambios.
Curiosamente, sin embargo, dentro de este grupo aparentemente coherente, una multitud de
diversos estilos y puntos de vista están representados. No está dentro del alcance de este
artículo para analizar exhaustivamente todo lo que está pasando en el mundo del
arte figurativo, pero, por poner un ejemplo de la diversidad, una exposición colectiva reralista podría
incluir trabajos en el estilo académico, así como aquellos que son más
impresionista, expresionismo, fotográficos, surrealista, y / o ingenuas - sólo para nombrar unos
pocos. Un laico puede lanzar todos estos estilos juntos, pero esta exposición reúne a
la luz una distinción importante: algunos de nosotros estamos trabajando concientemente en el espíritu de "la
tradición ", como se le llama, y algunos de nosotros no lo son. El trabajo en este espectáculo1 ha sido
hecho por los artistas que se formaron, y están trabajando en el espíritu de esta tradición.
La tradición que me refiero es la del espíritu humanista en el arte occidental. Tiene su
orígenes en los escultores y pintores griegos que trataron de capturar fielmente las formas de
naturaleza, de esta manera expresar ideas de belleza y significado. La tradición esta
en continua evolución, ha cambiado y enriquecido por las muchas generaciones de artistas que
han buscado y nos han mostrado visiones de lo que encontraron de significativo y fundamental, de
importancia para la vida humana. El deseo de estar conectado a la tradición en un momento cuando se
Ya no era todo, cuando se ha considerado pasado de moda querer hacerlo, y cuando su
lenguaje fue quedando en el olvido, es lo que me trajo a Florencia en 1978. Es lo que
aporta la mayor parte de nuestros estudiantes de la Academia de Arte de Florencia hoy.
Decir que todos estamos trabajando en la tradición no significa que nuestro tema
materia y los intereses artísticos son los mismos. Como espero que se desprende de la propia obra,
cada uno de nosotros es la creación de un cuerpo único de trabajo en base a nuestras trayectorias artísticas individuales.
Sin embargo, todos hemos recibido de muchos años de formación académica dirigido al aprendizaje de la misma
visual "del lenguaje." Es decir, que todos hemos aprendido, en la medida en que podemos, el
lenguaje de la tradición, que como artistas que utilizamos para expresar nuestra visión - al igual que
poetas, por ejemplo, utilizan palabras, ritmos y formas de poemas de artesanía.
Una de las cosas más importantes que se han dado cuenta en los últimos años es que,
entre los que trabajamos dentro de esta tradición, el conocimiento y los recursos necesarios
a compartir, no sólo para mejorar nuestra comprensión de nuestro propio trabajo, sino para
equipar mejor a la próxima generación de artistas para llevarlo hacia el futuro. Todos estamos
trabajando con partes de lo que fue una vez un cuerpo más completo del conocimiento. es
algo que comenzó a descubrir como un joven estudiante de arte y que continúan enfrentando ahora,
como un artista que trabaja y director de una academia centra en enseñar a los estudiantes de la nave
de trabajar en la tradición realista.
Por muchas razones, cuando nos acercamos a la vuelta de los 20
ª
siglo, en el oeste
la sociedad comenzó a cuestionar, rechazar, y en algunos casos destruir gran parte de lo que tenía
heredado. Me gusta creer que nuestra misión como el 21
st
siglo comienza es para encajar
fragmentos de la tradición humanística para que podamos contribuir imágenes significativas
que inspirará a las generaciones futuras al mismo. Siento que el éxito de la Academia de Florencia
de Arte y el trabajo en esta exposición es la prueba de que estamos en el camino de hacer eso.
II. Una breve descripción de la tradición académica MI Y
FORMACIÓN EN TI
A menudo me preguntan por los estudiantes, "¿Cómo fue cuando estaban entrenando? ¿Qué
escuelas o estudios enseñó dibujo y la pintura tradicional? ¿Dónde estudiaste y
¿por qué? "La mayoría de los estudiantes han escuchado que las oportunidades de hace 30 años eran escasos. En su
libro, EL CREPÚSCULO DE PINTURA, publicado en 1946, RH Ives Gammell advirtió
que la pintura se encontraba en un estado cercano "catástrofe" porque los enfoques tradicionales de
aprender el oficio fueron dejadas a un lado - que tenía 22 años antes de que se convirtió en un
estudiante de arte. Afortunadamente, sin embargo, incluso en esa época oscura, había unos cuantos dedicado
profesores restantes que llevó la antorcha y se la pasó a - personas a quienes (como ahora
pensar en ello) un fragmento de la tradición había sido dado, que a su vez pasa a la
siguiente generación. Como un joven estudiante de arte, y, más tarde, como un pintor joven, tuve la suerte
suficiente para conocer y aprender de algunas de esas personas. Porque yo creo que es importante
para entender cómo esta tradición se mantuvo viva, y, además, a entender lo
estas raíces profundas ir, me gustaría resumir brevemente en algunas de las cosas que aprendí
y ahora estoy enseñando ha llegado from.4
Incluso en Estados Unidos, donde comencé mis estudios en 1968, la mayoría, si no todos,
de la información que se guardó se remonta a the19
ª
ateliers de siglo
Europa, en donde las generaciones, literalmente, del conocimiento europeo sobre la pintura eran
alojados. Esta información había sido transmitida desde el Renacimiento, primero a través de
los artistas que participaron en los aprendices, luego a través de las academias, cuya función
que era para educar a los artistas y mantener una tradición de la artesanía. Debido a que había
pocas instituciones de este tipo en los Estados Unidos, la mayoría de los pintores americanos viajaron a estos
Europea talleres para aprender los principios y técnicas fundamentales para su vocación.
Aunque sería imposible trazar las líneas puras de la tradición académica de Europa
y su impacto en la pintura americana en sólo unas pocas páginas, es importante tener en cuenta que
Pintores americanos formados en Francia, Alemania, Inglaterra y muchos otros países, una
número de ellos luego regresó a los Estados Unidos, el conocimiento en la mano, no sólo a
pintar, pero para establecer estudios y escuelas propias.
Por muchas razones complejas sociales y artísticos, este sistema tradicional de
entrenamiento comenzó a romperse en Europa occidental a finales del siglo. Fue entonces
que el amplio conjunto de conocimientos que se han transmitido en una ininterrumpida
cadena a través de los siglos se ha interrumpido. Las academias y talleres de Western
Europa casi desapareció, dejando sólo los artistas individuales / maestros detrás, que, con
cada generación que pasa, poseía un cuerpo de conocimientos menos completos.
RH Ives Gammell, cuyo libro he mencionado anteriormente, es un ejemplo de un
pintor tal. Cuando nació en Providence, Rhode Island, en 1893, en los talleres Europa occidental ya estaban en declive. Sin embargo, en 1911, se matriculó en la Escuela
del Museo de Bellas Artes de Boston, donde tuve la suerte de conocer a muchos
pintores cuya formación conectado a las academias de Europa. Lo más notable es que
estudió con William Paxton, quien a su vez había estudiado con Jean Léon Gérôme en The5
Ecole des Beaux-Arts de París. Gammell lugar en la historia del realismo americano es
importante no sólo por esto, sino también porque era un autor y profesor: en
sus escritos se documentaron los valores y las enseñanzas de los siglos anteriores, como él
los había recibido, como un maestro, les pasan directamente a sus alumnos.
Muchos de sus alumnos se convirtieron en pintores buenos y, no menos importante, los profesores de
las propias tradiciones. Algunos, como Richard falta, abrieron sus propias academias.
La falta atelier se convirtió en uno de los líderes después de Gammell y continúa hasta
hoy. Situado en Minnesota, ahora dirigido por sus antiguos alumnos, Dale Redpath
Mimbre y Cyd. Otros talleres, pasado y presente, con enlaces a Gammell o uno de sus
estudiantes incluyen los dirigidos por Allen Bancos, Cecil Charles, James Childs, Robert
Cormier, Stephen Gjertson, Gary Hoffman, Don Koestner, Robert Douglas Hunter,
y Richard Whitney. Haberme estudiado con carencia, la Academia de Florencia
El arte es una mezcla de sus enseñanzas y las de otros artistas / maestros que en gran medida
influyó en mí.
2
El linaje a través de Gammell que he trazado brevemente sólo da una
sentido abreviada de cómo las tradiciones de Europa fueron transmitidas. Él no era el
único que lleva adelante estas tradiciones. En el primer trimestre de los años 20
ª
siglo,
muchos pintores con talento en los Estados Unidos mantuvieron estudios donde se imparten
variaciones de la tradición. Los que tienen la mayor influencia fueron dirigidas por Robert
Brackman (1898-1980), William Merritt Chase (1849-1916), Frank Vincent Dumond
(1865-1951), Frank Duveneck (1848-1919), Robert Henri (1865-1925), Jacques
Maroger (1884-1962), Howard Pyle (1853-1911), Edmund Charles Tarbell (1862 -
2
Actualmente hay numerosos talleres además de los vinculados a Richard Lack ofreciendo tradicional
tipos de formación. Los que yo conozco son los dirigidos por Ted Seth Jacobs en Francia, Jacob Collins en
Nueva York, y Jeffrey Mims en Carolina del Norte. Para obtener una lista más extensa, me remito a la
Listado Art Renewal Center de talleres, escuelas de arte, programas y talleres: www.artrenewal.org.6
1938), y NC Wyeth (1882-1945), sólo para nombrar unos pocos. Ellos, sus alumnos, y así
muchos otros, ayudaron a mantener las antorchas encendidas.
3
Tuve la suerte de encontrarse con algunas de las personas con directo
conexiones a la tradición, a partir de mis años de estudiante como estudiante en
el Instituto de las Artes de Maryland. Fue allí donde me encontré por primera vez
pintores de la talla de inmuebles, entre ellos Joseph Sheppard y Frank Russell, ambos de los cuales
me influyó mucho. Russell ofreció una clase llamada "realismo intensivo", que
me introdujo en el valor de la observación cercana. Sheppard me enseñó una técnica rápida
basado en el método Jacques Maroger de la pintura e hizo hincapié en la anatomía. Tenía
pasó varios años en Europa, y fue por él que escuché por primera vez acerca de Pietro
Annigoni.
Con mi interés en Italia y Annigoni despertado por Sheppard, he optado por
asistir a la escuela de posgrado en Florencia en la Villa Schifanoia, donde conocí a Richard
Serrin, una de las grandes influencias en mi vida. Fue él quien me enseñó a "leer"
una pintura, abriendo así una puerta que es crucial para el desarrollo de un profundo y permanente
diálogo con los maestros del pasado. Él demostró un profundo conocimiento técnico de
Rembrandt y 17
ª
pintura del siglo, pero, no menos importante, se "comunión" con
el mundo de la pintura y me habló de la importancia de lo que vio
3
Unas pocas instituciones en los Estados Unidos apoyaron un plan de estudios más tradicionales, también, a saber, la
Lyme Academia Facultad de Bellas Artes, la Academia de Pensilvania de Bellas Artes, la Academia Nacional de
en Nueva York, The Art Students League, y la Escuela Schuler de Bellas Artes de Baltimore. Había
otros, pero, por el gran número de escuelas acreditadas en el país, sólo una fracción ofreció una
programa tradicional de cualquier sustancia.
Irónicamente, en el oeste de Europa menos enlaces directos a los 19
ª
academias del siglo sobrevivieron que en
los Estados Unidos. Ya bajo la presa a causa de los cambios antes mencionados artísticas y sociales, muchos
cerrado durante el caos de la Segunda Guerra Mundial, la mayoría de los que se quedaron abiertos adaptado a la
enfoque más moderno. Como en los Estados Unidos, Europa Occidental apoyado un individuo terco pocos
artistas / profesores que se negaron a unirse a los modernistas. Ellos fueron esparcidos por todo el continente, desde
Suecia a España. Aunque es realmente fuera de mi experiencia para hablar de ellos en cualquier longitud, el
academias de Europa del Este y Rusia se siguen enseñando los métodos tradicionales, pero en términos relativos
aislamiento de la West.7
encarnado en la obra de los grandes pintores que admiraba. Lo que aprendí de Serrin
Era de profundidad psicológica y filosófica, sino que demostró cómo se hunda por debajo de la
superficie de una pintura para encontrar su significado.
Más tarde, fui a Minneapolis con Serrin para ayudarlo en un proyecto de mural, y
Fue allí donde conocí Falta Richard, con quien estudió durante casi un año. Por falta
Aprendí muchas de las tradiciones académicas de la Escuela de Boston, que había sido
transmitida a él por Gammell, y el método de signos de tamaño de dibujo y pintura,
que se dice que han sido utilizados por muchos de los retratistas del siglo XIX
siglo, incluyendo John Singer Sargent. Luego regresó a Florencia y estudió con
Nerina Simi, "señorita Simi", como la llamó. La hija de Filadelfo Simi (un
Pintor florentino en el Estilo Macchiaioli que había estudiado con Gérôme), signorina
Simi mantiene taller de su padre desde su muerte en 1923 hasta que en 1987 su propio en la
edad de 97 años. Volví a Florencia para estudiar con ella porque el trabajo que sale de su
estudio tenían fortalezas que quería adquirir.
Yo seguía buscando piezas del rompecabezas, fragmentos de la tradición, que yo
esperaba se unen para hacer mi propio trabajo más completo. Me había dado cuenta de que
leyes técnicas de las embarcaciones existía y tenía que aprender, que eran separados de
individuales de estilos artísticos, y que por lo tanto podían resumirse en los principios
y pasados a los estudiantes sin la carga de los gestos y estilos. Estos
principios, como "la luz es la forma; sombra es la atmósfera," se han conocido
inconscientemente por los pintores y se plasman en su obra. Pero debido a que el
conocimientos tan a menudo es inconsciente, muchos pintores les resulta imposible aislar,
destilar, y transmitir a los estudiantes.
Tanto Lack y Simi ofrece una conexión a Gérôme, que fue significativa para
mí. La falta heredado su linaje a través de Gammell, la señorita Simi obtenida hers8
a través del trabajo en el estudio con su padre. Tanto que se remonta a Gérôme, había
muchas similitudes en lo que enseñaban, pero bastantes diferencias, también. Uno era el
Y una versión italiana del americano de la tradición francesa. La versión americana
estaba más reglamentado y controlado, el italiano más "artística" y animado en su
enfoque - había menos organización en el estudio de Simi y mucho más énfasis en
el desarrollo de la mano, y "el movimiento", y la idea de la belleza y otras cosas
que rara vez se habla de en los Estados Unidos. Pero al final del día, ambos
tenía el elemento humanista como su estándar y admirado parte de la misma gran
pintores: Velázquez, Tiziano, Rembrandt, Gérôme, Sargent y otros.
Italia - con sus museos, iglesias y belleza natural, y como un lugar donde
las artes siempre han florecido - siempre ha sido un imán para los artistas. La
presencia de la señorita Simi y Pietro Annigoni en Florencia atrajo no sólo a mí, sino
muchos pintores jóvenes en busca de los hilos deshilachados de la tradición realista a esta ciudad
en particular. Desesperadamente quería sentirse conectado con la tradición, y parecía que
que en ninguna otra parte eran los artistas que trabajan como lo habían hecho en el pasado - con una atención al
Craft incluso en el nivel de material más básico. En Florencia, no se llamó a sí mismo un
artista, sino un pintor, y cuando uno se ganó el respeto de los demás, como Annigoni tenido un
se le dio el título de "maestro." Estas cosas nos hicieron sentir que la pintura era un noble
profesión, profundamente arraigada en la artesanía, la cultura y la comunidad. Algunos de los que vinieron
nos alojamos por unos pocos meses, mientras que otros, como yo, han permanecido, atrapado por la
belleza y la cultura.
Aunque yo no estudié con Annigoni, que murió en 1988 a la edad de 78 años, que
llegué a conocerlo muy bien. Era, como algunos lo llaman, "el patriarca del realismo".
Establecer el estándar de dibujo, él nos dio esperanzas porque podía dibujar y
pintar como los artistas tenían en siglos anteriores. Aunque muchos pintores jóvenes de todo over9
Fue a su estudio con la esperanza de ser admitido, sólo un puñado, que yo sepa, eran
asumido como aprendices durante cualquier periodo de tiempo. Sus aprendices primero eran italianos -
Romano Stefanelli, Bernardini Nando, Cicconi Antonio, Luciano Guarnieri, y,
por último, Gianni Cacciarini. Más tarde, un grupo de estudiantes extranjeros que estudiaron con él,
incluyendo Nelson Blanco, Long Ben, y Rob Wraith. Visité su estudio muchas veces
para mostrarle mis cuadros, era siempre alentador, pero nunca le dio mucha alabanza.
No hay mucho para charlar, le gustaba discutir los significados más profundos de la vida. De
Por supuesto, el arte siempre estuvo en la vanguardia de nuestras discusiones.
Como me gustaría dejar el estudio después de visitar con él, siempre lo haría
me animan. "Buon lavoro. Forza e Coraggio "(" El trabajo duro y bien Fuerza. Y
coraje "), decía en el tono, me imagino, de un guerrero romano.
III. PLAN DE ESTUDIOS, METODOLOGÍA DOCENTE Y PROGRESIÓN
DE ESTUDIO EN LA ACADEMIA DE ARTE DE FLORENCIA
"En una escuela de bellas artes, es un deber de enseñar sólo verdades indiscutibles, o al menos
aquellos que descansan sobre los mejores ejemplos aceptados durante siglos ". palabras H. Flandrin, el
impreso en nuestro folleto, son lo más cercano que llegamos a la articulación de una declaración de la misión en
La Academia de Arte de Florencia. Con Flandrin, y tantos otros que podríamos citar, como
nuestros guías, nos enseñan el arte de trabajar en la tradición realista de manera similar a la forma en que
Se imparte en el 19
ª
siglo ateliers de Europa occidental - no para producir 19
ª
obra del siglo, sino porque, como he mencionado anteriormente, nuestro vínculo más directo a la
los valores tradicionales y las enseñanzas del pasado, que se sabe que han producido
a nivel profesional los artistas en la tradición realista, son a través de los estudios. Debido a que,
como yo he mencionado, me recogió trozos de la tradición de muchas personas diferentes, 10
lo que enseñamos en la Academia de Florencia es una mezcla de lo que he recibido de muchos de
los que mencioné antes, necesariamente interpretarse a mi manera.
Mirando hacia el sistema de taller de formación como modelo, la Academia de Florencia
de arte es diferente de la mayoría de otras escuelas de arte, donde los estudiantes van a una variedad de
clases y muchas veces son impartidos por muchas personas. En las escuelas de arte, ya que son comúnmente
estructurado hoy en día, los proyectos de múltiples grados de dificultad son arrojados a los estudiantes en todas las
una vez que, a menudo por profesores con diferentes agendas y puntos de vista - hay demasiados
"Jefes" y no existe un método claro de la formación en los aspectos fundamentales de la embarcación, tales como
aprender a dibujar. Pintores consumados pueden dar demostraciones sobre cómo pintar un
retrato, por ejemplo, sin embargo, sigue siendo un misterio para los espectadores que no tienen
formación recibida en los principios básicos. En este entorno, los estudiantes no tienen una
sentido claro de cómo avanzar y no tienen la oportunidad de desarrollar la confianza.
Cuando los estudiantes entrar por la puerta de la Academia de Florencia, se les asigna un
espacio estudio y asentarse en un ritmo de trabajo que se mantendrá constante a lo largo
sus años de estudio. Instando a que se conviertan, como John Constable dijo: "pupila del paciente [s]
de la naturaleza, "la mitad de la jornada se dedica a trabajar en la figura, la mitad del día en su
estudios, trabajando en ejercicios específicos. Nos desmitificar la formación de un artista y
romper la tarea enormemente compleja de aprender a dibujar, pintar y esculpir de la vida en
pasos graduales. En los términos más generales, los estudiantes pasan sus días tratando de ver y
escribir exactamente lo que está delante de ellos, porque, como Leonardo dijo: "El pintor se
producir imágenes poco mérito si se toma el trabajo de otros como su estándar, pero si se
que se aplican a aprender de los objetos de la naturaleza que va a producir buenos resultados ".
Para ello, sin embargo, no es fácil: una progresión paso a paso a través de la escuela de
planes de estudio, desde aprender a dibujar con precisión para aprender a usar valores exactos de color IN11
aceite o - para los estudiantes de escultura - Aprender a utilizar la estructura correcta en arcilla, generalmente
lleva a los estudiantes cuatro o cinco años.
Estudiantes de dibujo recibir críticas individuales dos veces al día cinco días a la semana,
estudiantes de pintura de cuatro (que nos pareció más óptimo de cinco, ya que tienden a
requieren más tiempo por su cuenta para digerir feedback). Todos nuestros instructores fueron capacitados
aquí. Todos ellos pasaron años dominar el mismo lenguaje visual que pasar. Doy
a todos la libertad de conectarse con los estudiantes en su propio camino, pero, a pesar de
cómo los profesores se expresan, que están pasando un consistente y claramente
delineado cuerpo de conocimientos, conceptos y principios que se establecen para alumnos libres
expresar sus ideas, no las técnicas manieristas.
Dibujo Intensivo y Programa de Pintura
4
Nuestro programa de pintura, que comienza con un año de dibujo intensivo, es
diseñada para llevar cuatro años en completarse. Los estudiantes se dividen en cinco categorías:
principiante, intermedio, avanzado, profesor estudiante, o de artistas en residencia.
El estudiante de primer año se enfrenta a la difícil tarea de ajustar a lo que puede muy
bien ser una forma completamente diferente de la formación. Trabajar con disciplina dentro de la
marco de un sistema de taller, aprovechando al máximo las horas de luz, y cada vez
acostumbrado al método de vista de tamaño de dibujo son algunos de los desafíos que enfrentan.
Con pocas excepciones, los estudiantes se centran exclusivamente en la elaboración de su primer año en la
Florencia Academy, que tradicionalmente ha sido y siempre será, creo yo, la
fundamento de la tradición realista. Asignaciones iniciales de estudio ayudará a aclimatarse a los estudiantes
a nuestros estándares, precisión y el hábil uso de medios de dibujo son los primeros
obstáculos técnicos que se les pide que superar. Usando el lápiz, fielmente deben
4
Nuestro programa de dibujo está dirigido por Simona Dolci, nuestro programa de pintura de Ramiro Sanchez.12
reproducir dibujos litográficos desarrollados como estudio preparatorio para estudiantes de arte por
Charles Bargue, de 19
ª
siglo pintor académico y asistente de Gérôme. La
dibujos van desde simples a complejos, y una vez que los estudiantes demuestren técnico
experiencia en la copia de un dibujo a lápiz avanzado, se mueven a la copia de una más grande,
litografía más complicada, que debe ser reproducida en carbón vegetal. A lo largo de la
programa, las lecciones aprendidas y las técnicas de estudio a través de ejercicios como copiar
Dibujos Bargue se aplica cuando se trabaja a partir de la figura, que es la
factor determinante en la capacidad de analizar el progreso de cada estudiante y
nivel en el que están trabajando.
Los estudiantes se mueven a partir de la copia de los dibujos de Bargue al dibujo de modelos en
carbón vegetal. Después de haber ganado confianza en su capacidad para ser exactos, ahora se les pide
para desarrollar, en preparación para convertirse en un pintor, un sofisticado conocimiento de
gradaciones de valor - por lo tanto, el uso de carbón vegetal, cuyo alcance lo convierte en un eficaz
medio para explorar la luz y la oscuridad. Si los estudiantes están luchando con problemas de dibujo,
Sentimos que es siempre el mejor detenerlos. No hay ningún punto en el lanzamiento técnico
problemas en relación con los otros medios si no ven los valores de un yeso o
no puede percibir las sutilezas de la proporción. Mejor que los problemas de dibujo resolverse
antes que los estudiantes pasar a la siguiente serie de desafíos.
Los estudiantes intermedios han logrado una sólida base en el dibujo, tanto en
lápiz y carbón, y, por lo general al inicio de su segundo año, comienzan a
dibujar con carboncillo y tiza blanca sobre papel entonado, un paso más cerca de la pintura. La
dibujos de los alumnos del elenco empiezan a parecerse a los modelos reales, y sus dibujos de figuras
tienen el peso y el equilibrio de una persona viva. Con estas habilidades de dibujo y InHand, los proyectos de pintura primero se les asigna. Ganar control sobre este nuevo medio
requiere tiempo y experiencia, y, como en el dibujo, que procedamos paso a paso. Nos suavizar the13
transición de dibujo por estudiantes de partida fuera con paining en grisalla - es decir,
con la pintura en color gris. Esto le da a los estudiantes la oportunidad de familiarizarse con el uso de
pintura para estudiar los valores sin la complejidad añadida de color. Sólo unos pocos proyectos
dado en grisalla (generalmente dos cilindros y un máximo de cinco semanas de pintura figura) antes de que un
proyecto en colores limitada está asignado.
"Color", John Singer Sargent, dijo, "es un adorno de la forma." Mientras que eso puede
es cierto, la mayoría de los pintores pasan gran parte de su vida tratando de entender! Partimos
estudiantes fuera con tres colores, incluyendo el blanco - No ocre amarillo, rojo Inglés, y
negro. Esta es la paleta más tradicional y básico que hay - los estudiantes han comenzado
con él durante siglos, y, sorprendentemente quizás, muchos grandes pintores, como Tiziano, son
cree que lo han utilizado para producir algunos de sus mejores trabajos. Centrarse en la construcción de
confianza con la experiencia, los primeros temas pintura estudiantes son simples, a menudo un único
pieza de fruta contra un fondo oscuro. Los estudiantes pintan el mismo fruto tres veces -
la primera vez, tienen el tiempo que desee terminar su pintura, la segunda vez
sólo tres horas. Cuando comienzan su tercera pintura, la fruta se elimina, y
estudiantes pintar de memoria. El último ejercicio puede parecer extraño en una escuela dedicada
a de trabajo de la vida y la observación de la naturaleza, pero, de hecho, la memoria de un
artista visual puede y debe ser desarrollado, tanto como la de un actor o un poeta, y tiene su
colocar en el trabajo de la vida. En el siglo XIX, Lecoq de Boisbaudran, el
maestra de James McNeil Whistler y Henri Fantin-Latour, desarrolló un sistema para
formación de los recuerdos de sus estudiantes. Whistler escribe de ir a dar largos paseos, buscando
intensamente en la escena, y volviendo a su estudio para hacer grabados en la memoria de
lo que había visto.
Una vez que los estudiantes han descubierto el potencial de estos colores básicos, otros son
añadirán a medida que los necesita: naples amarillo, bermellón, azul cobalto, etc.14
Los estudiantes de tercer año se les da tiempo para asimilar y practicar el material dado a
ellos en el segundo año, junto con un mayor grado de dificultad en la materia.
El retrato se introduce, por primera vez en el dibujo, luego en la pintura. Muchos estudiantes comienzan a
muestran una tendencia hacia cierto tipo de materia y puede comenzar
correspondiente a dedicar más tiempo a desarrollar sus habilidades en el área que más
les fascina.
Para el cuarto año, los estudiantes han dominado el dibujo en dos medios y son
familiarizado con los métodos y materiales de la pintura de aceite, este último como importante en la
estudios de un pintor como el anterior. Ahora es el tiempo para perfeccionar las habilidades para identificar y
hacer frente a las debilidades persistentes, y empezar a poner el conocimiento técnico de la prueba. Más
de nuestro cuarto año los estudiantes empiezan a enseñar en la Academia. Lo que han adquirido en
capacidad que se ven obligados a poner en palabras, que es cuando se vuelven más conscientes
de lo que saben. Junto con darles mayor responsabilidad, los esperamos
para impulsar las habilidades técnicas que han adquirido aún más complejo de resolver
problemas (por ejemplo, para pintar las manos). Les pedimos que comenzar considerando seriamente las cuestiones de
composición (por ejemplo, para poner énfasis en el gesto de la figura y pintar con un
indicación del estado de ánimo y la personalidad de la modelo), y los guiamos en
el desarrollo de su voz. Los tipos de problemas que empiezan a resolver este año son la
los que se enfrentarán como artistas emergentes: ¿qué es lo que quiero pintar? ¿Por qué? ¿Qué emoción
es lo que quiero transmitir y cómo? ¿Qué áreas de competencia técnica debo fortalecer
para que no se llevará a cabo de nuevo en la articulación de mi visión?
Si bien exigimos que los estudiantes trabajan duro y el progreso, no ponemos
presión sobre ellos para dominar el material dentro de un período de tiempo predeterminado;
estudiantes avanzar a su propio ritmo. Una y otra vez, hemos encontrado que la cantidad de15
tiempo que se necesita para dominar el material varía de persona a persona - muchos de los más nuestra
estudiantes dotados bajó a retrasar aperturas. Los estudiantes trabajan en proyectos durante todo el tiempo que sea
fructífero, a partir de su copia del dibujo simple Bargue, y que se garanticen los
que "el tiempo no tiene importancia" en la Academia de Florencia. Este énfasis en el cuidado, aunque
eficiente, el estudio es fundamental, creo, para el dominio de los aspectos críticos de la nave. Pero,
como en tantas otras cosas, siempre hay un equilibrio que debe lograrse: los estudiantes deben
También se instó a esforzarse y aprender a trabajar de manera eficiente.
Con esto en mente, una de las políticas más beneficiosas que hemos instituido en el
últimos diez años es la crítica final. Al final de cada trimestre, los estudiantes individualmente
llevar todo el trabajo que producían antes de sus maestros reunidos. El propósito de la
la crítica es que los alumnos sepan si están en curso para que les dé una indicación clara de
lo que sentimos sus fortalezas y debilidades, y darles personalizado
sugerencias sobre cómo mejorar. Se les da un pasa / no pasa de grado basado en la forma en que
han hecho en cinco categorías diferentes: progreso, desempeño, actitud, esfuerzo, y
asistencia. De un puntaje máximo de quince años, un estudiante debe obtener un mínimo de10 a
pasar. Este sistema de clasificación, con el rendimiento de sólo uno de los problemas mediante el cual un estudiante
se evalúa, se instituyó con la conciencia de que algunos estudiantes simplemente no lo entiendo en
primero. Ellos luchan y luchan, a veces hasta por años, para aquellos que no se rinden
hasta que finalmente hace clic. Por otro lado, este sistema también nos permite pedir a los estudiantes
que no están realmente motivados para estar en la Academia de Florencia a demostrar ya sea un
deseo de estar aquí o irse - es fundamental que todos nuestros estudiantes estén verdaderamente dedicado y
quiero hacerlo bien. Esto crea un ambiente de competencia sana en la escuela
que los estudiantes son animados a compartir.
5
5
Este no es el entorno adecuado para las personas que son acaparadores. Creo firmemente en esto. Todos los
información, técnicos y de otro tipo, debe ser compartida por todos estamos en falta de knowledge16
Sospecho que para algunos estudiantes, los días a veces parecer lento y tedioso,
pero cuando se van después de haber estado aquí durante unos años, ellos saben cómo seguir
un procedimiento que funciona. Todo arte es sobre el control: Si usted no puede seguir especificado
movimientos de ballet, no se puede bailar ballet, no se puede tocar música clásica a menos que
usted tiene el control sobre todas las escalas y sus digitaciones. No se puede pintar y esculpir
de manera tradicional a menos que haya aprendido los principios necesarios y
técnicas.
Una indicación de qué tan exitoso este método de entrenamiento puede ser es que
aproximadamente el 80% de nuestros estudiantes van a convertirse en los artistas que trabajan, una estadística que nos hace
muy orgulloso.
Escultura
Robert Bodem dirige el departamento de escultura en la Academia de Arte de Florencia y
ha construido un sólido programa basado en los valores académicos. Utiliza una filosofía de
la construcción de la figura de adentro hacia afuera. Los estudiantes dibujar y esculpir todo el
programa. El dibujo que hacen ha sido adaptado especialmente para escultores, sobre la base de un
sistema de mezcla de vista del tamaño y los puntos anatómicos. Los primeros proyectos incluyen una escultura
hueso de vaca y ampliándolo con yeso, luego copiar partes emitidos desde
David de Miguel Ángel. Cuando se mueve a la vida, los estudiantes comienzan con un retrato de tamaño natural,
donde el énfasis está en la comprensión de la estructura subyacente del cráneo.
El enfoque principal de los dos años restantes es la figura. A partir del trabajo
hace hincapié en las estructuras internas del cuerpo humano que le dan su rango de
movimiento, el gesto, la proporción, etc Cuando los estudiantes demuestran un buen conocimiento de
principios fundamentales en posturas de pie esculpidas aproximadamente el tamaño medio de vida,
relacionado con el arte en este día y edad. Y, es impresionante ver cómo el conocimiento de oficio crece y
se desarrolla en una atmósfera de generosity.17
proyectos se introducen en los niveles más complejos, incluyendo reclinable poses. Los estudiantes
gradualmente hasta esculpir una figura de tamaño completo la vida y son responsables de todos los
los aspectos del proceso, desde la creación de una maqueta, a establecer la postura, aprender a
soldar, para construir una armadura rígida, y el trabajo de colada cuando esté terminado. El casting es
enseña a los estudiantes y se reserva para la última semana de cada trimestre. Los estudiantes comienzan
con la fundición de residuos molde, para luego pasar a la toma de silicona del molde. Actualmente todo el trabajo
con la figura se realiza con agua a base de arcilla.
El programa de escultura, desarrollado en los últimos 4 años, se ha ampliado recientemente,
y ahora está funcionando a plena capacidad.
Plan de estudios fuera de las horas de estudio diarias
Tenemos una amplia gama de actividades centradas en la ampliación de enseñanzas de nuestros estudiantes y
familiarizarlos con los tesoros artísticos del pasado. Lectures on viernes por la tarde
se centran en temas relacionados con la mitología (para estimular ideas) e historia del arte, que es un
área crítica de estudio para los aspirantes a artista. Estar en Florencia, tomamos visitas de
museos, y presentar a los estudiantes de primera mano a las grandes obras de arte. Conferencias sobre todo
los aspectos de la parte técnica de la pintura, de las telas de estiramiento a mano-en grano
pintura y hacer propio medio de uno, se les da. Nuestra anatomía ampliado recientemente
programa incluye una clase écorché un año de duración, así como una conferencia semanal seguido por
una anatomía centrada en clase de dibujo. Hay una clase de escultura sábado para pintores.
Nuestra sesión de formación continuada en julio da a los estudiantes que no pueden
asistir a la Academia de Florencia para el conjunto del año una experiencia de lo que hacemos. Ofrecemos
cursos intensivos sobre una variedad de temas, muchos de los cuales no forman parte de la completa
programa académico, incluyendo fresco y la pintura de paisaje. Siempre estamos inscritos
a la capacidad de varios meses de antelación.
IV. Alumnado
¿Quiénes son los estudiantes que vienen a Florencia para estudiar pintura y escultura,
algunos para quedarse por muchos años más de lo que había planeado? Es imposible
generalizar sobre el alumnado, aparte de señalar que la mayoría vino a la escuela después de
haber mirado extensamente para este tipo de formación. Al escribir estas líneas, tenemos 75
estudiantes, algunos de los cuales son también instructores. Provienen de 24 países diferentes
(La mayor parte de los Estados Unidos o el norte de Europa). Ellos varían en edad desde 17 hasta 60
(La mayoría están en sus veinte años), y poseen diferentes niveles de formación previa. Lo que vale
este diverso grupo de personas juntas es que todos ellos están luchando para llegar a ser
pintores y escultores figurativos cuando llegan y que están todos trabajando
hacia los mismos - metas mientras aquí - o similar.
En general, existen dos tipos de estudiantes: los que parecen tener una especial
don de ver y luego traducir de forma rápida y fluida a partir de tres dimensiones en
dos, y los que luchan por cada nueva habilidad que adquieren. Ambos hacen un excelente
pintores y escultores, así como los profesores excelentes, por diferentes razones. La primera
a menudo admirados modelos de conducta, sino que perciben rápidamente los errores de los alumnos y el
razón por la que los han hecho. Por otro lado, aquellos que han luchado tienen un
entendimiento profundo de las dificultades, sino que sirve como ejemplo de progreso, y pueden
simpatizar con la frustración de aquellos que están luchando.
Dentro de la masa de estudiantes nuevos cada año, siempre hay un grupo central de
los talentosos que tiran el resto a lo largo. De este grupo central, uno o dos muy talentosos y
los estudiantes trabajan duro llegar a convertirse en mis futuros profesores, pasando el testigo, por lo que
hablar, año tras año. Desde la génesis de la Academia en 1991, se incluyen, en
el departamento de pintura: Paul Brown, Alger Nicole, Weed Carlos Dolci Simona, 19
Kevin Gargantas, Maureen Hyde, Smith Andrea, Ackrill Anthony, Sánchez Ramiro,
Hunter Eddy, Rupert Atkinson, Ericsson Joakim, y Levin Dana. En la escultura
departamento: Cessna DeCosimo, Bodem Robert, y Blokker Lotta. También me gustaría
mencionar aquí que dos ex instructores hecho contribuciones a las primeras etapas de
la escuela: Juan Ángel y Ostlund Jim. Algunas de estas personas con talento ya no puede
estar en la Academia, pero han tenido una gran influencia en su desarrollo, ayudando a hacer
en lo que es hoy.
Lo que parece ser común en las personas que tienen éxito, los que sobreviven,
Es su pasión y trabajo duro. Creo que cualquier persona puede alcanzar el éxito, no importa lo
su nivel de talento, si son totalmente apasionado, comprometido y diligente. Como
Miguel Ángel dijo: "Si la gente supiera lo duro que trabajé, que no les gustaría lo que
hacer ".
V. DECLARACIÓN PERSONAL
Aunque las piezas de la tradición se salvaron y se transmite, me preocupo por el
estado actual de este cuerpo de conocimiento, que es una de las razones que me han dedicado
parte de mi tiempo a lo largo de los años a la enseñanza - primero con Charles Cecil en el estudio CecilGraves, que en forma conjunta se desarrolló entre 1982 y 1990, y, desde 1991, como director de
La Academia de Arte de Florencia. A pesar de la falta de retribución económica y la necesidad de
dedicar muchos de mis propios recursos para ello, la dirección de la Academia de Florencia es una elección que conscientemente y un lamento raramente. Siento el deber de pasado y futuro
generaciones de transmitir lo que he aprendido y para fomentar un ambiente donde más piezas
de la tradición puede, quizá, ser descubierto, y esto anula los sacrificios personales
involucrado. No podía, sin embargo, han desarrollado la Academia de Arte de Florencia en mi
propio, ni podía siquiera empezar a contener todos los elementos de lo que se requiere para ejecutar it20
juntos. Por ello, quiero aprovechar esta oportunidad para agradecer a aquellas personas cuya
trabajo duro, dedicación y visión nos han llevado a este punto. Yo no podría, posiblemente,
empiezan a mencionar a todos, pero me gustaría llamar la atención especial para el personal
miembros que están aquí todos los días, y desde hace años: Susan Tintori, Rosemary
Galli, y Ellen Sutherland-Daddi. Ellos han dedicado gran parte de su energía a la
Crecimiento de la Academia y se han cometido, como yo, a la calidad de la educación
sobre todas las cosas.
Yo elegí la hora de desarrollar el programa de la Academia de Florencia para enfatizar
aquellos aspectos de la tradición que parecía vital para mí. Al hacerlo así, no fue mi deseo
para manipular la tradición para adaptarse a mi visión personal, sino para fortalecerlo, desarrollarlo,
y dar una generación de estudiantes las herramientas que necesitan para dedicarse a lo que
considerar una de las ocupaciones más importantes y más difíciles de todo, la creación de
imágenes que tienen resonancia emocional y la habilidad técnica, y que transmita, en su
veracidad y belleza, ideas de gran importancia.
Con este fin, como he mencionado antes, mezclar lo que aprendí de la
influyentes artistas / profesores que conocí durante el curso de mis propios estudios. Tengo
necesariamente interpretado sus enseñanzas a mi manera, poner las piezas juntas como
ha parecido más a la derecha. En el espíritu de transmitir a los alumnos lo que es "puro" o
"True" - es decir, para asegurar que estamos enseñando principios y no la imposición de estilos,
gestos o técnicas - que necesariamente se centran en aspectos prácticos de la nave en el
escuela. Para un artista que quiera trabajar en esta tradición humanista, para aprender estas
las técnicas clásicas del dibujo, la pintura y la escultura es aprender el "lenguaje" de una
necesita saber para poder "hablar" de una manera que será entendido. Quiero pasar esta
idioma a los estudiantes no para que luego se van en sus estudios y producir
trabajar en la imitación del pasado, sino para que puedan entrar en el mundo y crear obras de ART21
en una lengua que ha sido utilizado por los artistas, y que ha sido durante mucho tiempo
entendido por la gente de todos los niveles de la sociedad, ya se trate de artistas que trabajan o no.
Dicho todo esto, estoy muy consciente de que la tradición es mucho mayor que la
la suma de todos los elementos de la embarcación. De hecho, estamos de pie sobre los hombros de gigantes.
John Ruskin apunta que tenemos generaciones de personas detrás de nosotros que nos ayuda a
hacer obras de arte. He de añadir que esas generaciones de artistas han planteado la
importancia técnica y psicológica de la pintura a un nivel tan alto que cualquiera
tomando el testigo se enfrenta a la dura competencia que hay. "¿Por qué no podemos producir
Leonardos hoy? "Uno podría pedir. Yo no creo que sea sólo porque nos falta técnica
conocimientos y experiencia. Yo creo que es porque hay algo además de la
técnica que es también parte de la tradición. Espero que al tener la escuela en
Florencia, mediante la exposición de los estudiantes a sus grandes obras maestras y la cultura, que lo harán
recoger más de la esencia de la tradición, que tendrán más que la técnica
detrás de ellos para motivarlos.
Dado que no queremos repetir sólo el trabajo de siglos pasados, creo que uno
de los grandes retos que todos enfrentamos es la de descubrir lo que vamos a pintar
y esculpir. Los relatos que los artistas aprovechado durante siglos, los cuentos clásicos
de la mitología y la Biblia, parecen menos significativos para las personas que lo hacían antes. A
simplemente registrar la apariencia de la superficie de la "realidad" nunca ha sido la provincia de
pintura, cuyo lenguaje es mucho más profunda. Desde el principio, los artistas han pintado,
cosas esculpidas y elaborado que había significado para ellos, y las imágenes que han dejado
detrás son un testimonio de vida, un registro de su conciencia en la tierra. Podemos leer
incluso en las primeras pinturas rupestres que era sagrado para la gente que los pintados, lo que
que amaba, temía, lloró otra vez, deseado, y encontró hermosa .... me parece 22
que los más grandes maestros del arte siempre han tenido un sentido claro de lo que encontraron
significativo en la vida, que luego adaptó a su arte.
Yo creo que para hacer pinturas con el mismo significado de las pinturas que
más amor, hay que tener arte, sí, pero también se debe, en el sentido más básico, tienen "
algo que decir. "Para continuar con el testimonio de lo que los humanos han visto, creía,
sentía y pensaba, debemos tener la valentía de preguntarnos lo que realmente importa
aproximadamente, ya que si no sabemos que no podemos expresar. Debemos desarrollar nuestra capacidad
para el sentimiento profundo, por lo que sabemos con nuestras mentes es sólo una parte de lo que tenemos que
dar a nuestro arte - también tenemos nuestros corazones para dar. Hoy en día muchos de nosotros somos los adultos en nuestra
mente, pero los niños en nuestros corazones. Debemos sabio crecer en nuestros corazones, en conjunto con
perfeccionar nuestro arte, para expresarnos de una manera que a la vez tocar y estar
significativo para los demás. Para buscar la belleza y significado en nuestras vidas es para ponerla en nuestro
arte.
Debido a que tan elocuentemente expresa lo que yo mismo creo, me gustaría
cerrar con una cita con alguna extensión del ensayo de Ruskin "Todo gran arte es la alabanza:"
6. Fix, entonces, esta en su mente como el principio rector de todos los derechos
práctica laboral y fuente de toda la energía de vida saludable, - que el arte ha de ser
el elogio de algo que te quiero. Puede ser sólo el elogio de una concha o una
piedra, ya que puede ser la gloria de un héroe, ya que puede ser la alabanza a Dios: - su rango como
un ser vivo está determinado por la altura y la anchura de su amor; pero, sea
te pequeño o grande, lo que el arte sana es posible debe ser la expresión de
su verdadero deleite en algo real, mejor que el art. Usted puede pensar que, tal vez, que
nido de un pájaro por William Hunt es mejor que un nido de pájaro de verdad. Hemos hecho pagar un
gran suma para el uno, y apenas importa a buscar o guardar, el otro. Pero
Sería mejor para nosotros que todas las imágenes en el mundo perecieron, sino que el
las aves deben dejar de construir nidos.
Y es precisamente en su expresión de esta inferioridad, que el dibujo
se convierte en valioso. Esto se debe a que una fotografía no puede condenar, que
no vale nada. La gloria de un gran cuadro está en su vergüenza, y el encanto de la misma, en
expresando el placer de un corazón lleno de amor, que hay algo mejor que una
imagen. También habla con la voz de muchos: los esfuerzos de miles de muertos,
y sus pasiones, están en las fotos de sus hijos a día. No con la habilidad
de una hora, ni la vida, ni de un siglo, pero con la ayuda de innumerables almas,
una cosa hermosa que debe hacerse. Y la obediencia, y el entendimiento, y
la pasión pura natural, y la perseverancia ... ya que se debe dar a
producir una imagen, por lo que deben ser reconocidos, para que podamos percibir one.23
7. Esta es la principal lección que he estado enseñando, por lo que he sido
capaz, a través de toda mi vida, - sólo que la imagen es noble, que está pintado en el amor
de la realidad. Es una ley que abarca el mayor alcance del arte, sino que es también un
que las guías de seguridad los primeros pasos de la misma. Si usted desea llamar, para que seáis
representar algo que usted cuida, usted avanzará rápidamente y con seguridad. Si
deseo de dibujar, para que puedan hacer un hermoso dibujo, nunca hacer una.
Ruskin ideas sobre el arte puede parecer ir en contra del sistema de valores que tenemos
presentada en el siglo 21, en el que da importancia a la obra de arte que los choques,
que vende, que es "nuevo" y de vanguardia. Pero los valores que defiende son los mismos
muchos de nosotros están encontrando para poner en nuestro arte actual. En 1946, R. H. Ives Gammell vio
se acerca "el ocaso de la pintura" y la muerte de una tradición venerada. Hoy en día,
con las palabras y enseñanzas de Gammell, Ruskin, y otros tantos detrás de nosotros, veo un
amanecer de nuevo, profundamente sentida, y ricamente concebido trabajo de representación. También veo el vigor de una tradición viva - una que está siendo extraída de, y añadió que, por las nuevas
generaciones de escultores y pintores comprometidos.
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